Raphael

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그림을 그릴 때 인간은 생각하지 않는다.

Raffaello Sanzio da Urbino, 즉 Raphael은 전성기 르네상스의 이탈리아 화가이자 건축가였다. 그의 작품은 형태의 명료함, 구도의 자연스러움, 그리고 인간 위대함에 대한 신플라톤주의 이상을 시각적으로 구현한 성취로 찬사를 받는다. Michelangelo와 Leonardo da Vinci와 함께 그는 그 시대 위대한 거장들의 전통적 삼위일체를 형성한다.

Raphael은 엄청나게 생산적이었으며, 이례적으로 큰 규모의 공방을 운영했고, 37세의 이른 죽음에도 불구하고 방대한 작품들을 남겼다. 그의 작품 중 다수는 바티칸 궁전에서 찾아볼 수 있는데, 프레스코화로 장식된 Raphael의 방들은 그의 경력에서 중심이자 가장 큰 작업이었다. 가장 잘 알려진 작품은 바티칸 서명의 방에 있는 '아테네 학당'이다. 로마에서의 초기 이후, 그의 작품 중 상당수는 그의 스케치를 바탕으로 공방에서 제작되었으며, 이로 인해 품질 저하가 상당했다. 그는 생전에 극도로 영향력이 있었지만, 로마 외부에서는 그의 작품이 주로 협업 판화를 통해 알려졌다.

그의 사후, 위대한 라이벌 Michelangelo의 영향력이 18세기와 19세기까지 더 광범위했으나, 이후 Raphael의 더욱 평온하고 조화로운 특질들이 다시 최고의 모범으로 간주되었다. 그의 경력은 자연스럽게 세 단계와 세 가지 양식으로 나뉘는데, 이는 Giorgio Vasari가 처음 기술한 것이다: 움브리아에서의 초기, 그다음 1504년부터 1508년까지 약 4년간 Florence의 예술적 전통을 흡수한 시기, 그리고 두 명의 교황과 그들의 측근들을 위해 일하며 로마에서 보낸 마지막 12년간의 격렬하고 승리적인 시기가 그것이다.

그의 아버지는 작지만 고도로 교양 있는 도시 Urbino의 통치자를 위한 궁정 화가였다. 아버지는 Raphael이 열한 살 때 사망했고, Raphael은 이 시점부터 가족 공방 관리에서 역할을 한 것으로 보인다. 그는 Perugino의 공방에서 훈련받았으며, 1500년까지 완전히 숙련된 "거장"으로 묘사되었다. 그는 북부 이탈리아의 여러 도시에서 또는 그 도시들을 위해 일했으며, 1508년 교황의 초청으로 바티칸 궁전 작업을 위해 로마로 이주했다. 그는 그곳과 도시의 다른 곳에서 일련의 중요한 의뢰를 받았고, 건축가로도 일하기 시작했다. 그는 1520년 사망할 때까지 여전히 전성기의 역량을 유지하고 있었다.

배경

Raphael은 작지만 예술적으로 중요한 이탈리아 중부 도시인 Marche 지역의 Urbino에서 태어났는데, 그곳에서 그의 아버지 Giovanni Santi는 공작을 위한 궁정 화가였다. 궁정의 명성은 Federico da Montefeltro에 의해 확립되었는데, 그는 매우 성공한 용병대장으로서 교황 Sixtus IV에 의해 Urbino 공작으로 임명되었다 – Urbino는 교황령의 일부를 형성했다 – 그리고 Raphael이 태어나기 전 해에 사망했다. Federico의 궁정은 예술적이기보다는 문학적인 면을 더 강조했지만, Giovanni Santi는 화가이자 일종의 시인이기도 했으며, Federico의 삶에 대한 운문 연대기를 집필했고, 가면극 같은 궁정 오락을 위해 텍스트를 쓰고 장식을 제작했다. Federico를 위한 그의 시는 그가 가장 선진적인 북부 이탈리아 화가들과 초기 네덜란드 예술가들에 대한 인식을 보여주고자 열망했음을 드러낸다. Urbino의 매우 작은 궁정에서 그는 아마도 대부분의 궁정 화가들보다 지배 가문의 핵심 집단에 더 통합되어 있었을 것이다.

 Raphael의 아버지 Giovanni Santi; 두 천사가 받치고 있는 그리스도, 1490년경

Federico의 뒤를 이은 것은 그의 아들 Guidobaldo da Montefeltro였는데, 그는 음악과 시각 예술 양면에서 가장 뛰어난 소규모 이탈리아 궁정인 Mantua의 통치자의 딸 Elisabetta Gonzaga와 결혼했다. 그들 아래에서 궁정은 문학 문화의 중심지로 계속되었다. 이 작은 궁정의 분위기 속에서 성장하면서 Raphael은 Vasari가 강조한 훌륭한 예의범절과 사교 기술을 갖추게 되었다. 이 시기 직후 Urbino의 궁정 생활은 Baldassare Castiglione이 1528년 출판한 고전 저작 '궁정인의 책'에서 묘사한 것을 통해 이탈리아 인문주의 궁정의 미덕들의 모델로 자리 잡게 되었다. Castiglione은 1504년 Urbino로 이주했는데, 당시 Raphael은 더 이상 그곳을 거점으로 하지 않았지만 자주 방문했으며, 그들은 좋은 친구가 되었다. Raphael은 궁정의 다른 단골 방문객들과도 친밀해졌다: 나중에 추기경이 된 Pietro Bibbiena와 Pietro Bembo는 이미 작가로서 유명해지고 있었고, 나중에 Raphael이 로마에 있던 시기에 그곳에 있게 된다. Raphael은 평생 최고 사교계에서 쉽게 어울렸는데, 이는 그의 경력에 대해 오해의 소지가 있는 수월함의 인상을 주는 경향이 있는 요인 중 하나였다. 그러나 그는 완전한 인문주의 교육을 받지는 못했다; 그가 라틴어를 얼마나 쉽게 읽었는지는 불분명하다.

초기 생애와 작품 활동

Raphael의 어머니 Màgia는 그가 여덟 살이던 1491년에 사망했고, 이미 재혼한 그의 아버지가 1494년 8월 1일 뒤를 이었다. 이로써 Raphael은 열한 살에 고아가 되었다. 그의 공식 후견인은 유일한 친족인 숙부 Bartolomeo가 되었는데, 그는 사제였으며 이후 계모와 소송을 벌였다. Raphael은 아마도 도제로 스승 밑에 있지 않을 때는 계모와 함께 살았을 것이다. Vasari에 따르면 그는 이미 재능을 보였는데, Vasari는 Raphael이 "아버지에게 큰 도움"이 되었다고 말한다. 십 대 시절의 자화상 소묘는 그의 조숙함을 보여준다. 아버지의 작업실은 계속 운영되었고, 아마도 계모와 함께 Raphael은 매우 어린 나이부터 그 관리에 분명히 일정 부분 역할을 했다. Urbino에서 그는 이전 궁정화가였던 Paolo Uccello(사망 1475)와 1498년까지 인근 Città di Castello에 거점을 두었던 Luca Signorelli의 작품들과 접촉하게 되었다.

Vasari에 따르면, 그의 아버지는 "어머니의 눈물에도 불구하고" 그를 Umbria 지방의 거장 Pietro Perugino의 작업실에 도제로 맡겼다. 도제 수업의 증거는 Vasari와 또 다른 출처에서만 나오며 논란의 여지가 있다. 여덟 살은 도제 수업을 시작하기에 매우 이른 나이였다. 다른 이론으로는 1495년부터 Urbino에서 궁정화가로 활동한 Timoteo Viti로부터 적어도 어느 정도 훈련을 받았다는 설이 있다. 대부분의 현대 역사학자들은 Raphael이 적어도 1500년경부터 Perugino의 조수로 일했다는 데 동의한다. Perugino가 Raphael의 초기 작품에 미친 영향은 매우 명확하다. Wölfflin에 따르면 "아마도 천재적 제자 중 누구도 Raphael만큼 스승의 가르침을 흡수한 적이 없을 것"이다. Vasari는 이 시기에 두 사람의 손을 구별하는 것이 불가능했다고 썼지만, 많은 현대 미술사학자들은 더 잘 구별할 수 있다고 주장하며 Perugino나 그의 작업실 작품의 특정 영역에서 그의 손길을 감지한다. 양식적 근접성 외에도 그들의 기법은 매우 유사한데, 예를 들어 그림자와 어두운 옷감에는 기름 바니시 매체를 사용해 물감을 두껍게 칠하지만 살결 부위에는 매우 얇게 칠하는 방식이다. 바니시의 수지 과다로 인해 두 거장의 작품 모두에서 물감 영역의 균열이 자주 발생한다. Perugino 작업실은 Perugia와 Florence 양쪽에서 활동했으며, 아마도 두 곳에 상설 지점을 유지했을 것이다. Raphael은 1500년 12월에 "거장", 즉 완전히 훈련된 화가로 기록되어 있다.

 1482년부터 1508년까지 Urbino 공작이었던 Guidobaldo da Montefeltro의 초상, 1507년경.

그의 첫 기록된 작품은 Perugia와 Urbino 중간에 위치한 도시 Città di Castello의 성 톨렌티노의 니콜라스 성당을 위한 Baronci 제단화였다. 그의 아버지를 위해 일했던 Evangelista da Pian di Meleto도 의뢰서에 이름이 올랐다. 이 작품은 1500년에 의뢰되어 1501년에 완성되었으며, 현재는 몇 개의 잘린 부분과 준비 소묘만 남아 있다. 이후 몇 년간 그는 그곳의 다른 성당들을 위해 1503년경의 Mond 십자가 처형과 1504년의 Brera 성모의 결혼을 포함한 작품들을, 그리고 Perugia를 위해서는 Oddi 제단화 같은 작품들을 그렸다. 그는 이 시기에 Florence도 방문했을 가능성이 매우 높다. 이들은 일부 프레스코화를 포함한 대작들로, Raphael은 Perugino의 다소 정적인 양식으로 구성을 자신 있게 배치했다. 그는 또한 이 시기에 많은 소형 정교한 캐비닛 페인팅들을 그렸는데, 아마도 대부분 삼미신과 성 미카엘처럼 Urbino 궁정의 감정가들을 위한 것이었으며, 성모상과 초상화를 그리기 시작했다. 1502년 그는 Perugino의 또 다른 제자인 Pinturicchio의 초대로 Siena에 갔는데, Pinturicchio는 "Raphael의 친구이자 그가 최고 수준의 드로잉 작가임을 알고" Siena 대성당 Piccolomini 도서관의 프레스코 연작을 위한 카르톤과, 매우 가능성 높게는 디자인을 돕도록 했다. 그는 경력의 이 초기 단계에서도 이미 분명히 많은 수요가 있었다.

- Mond 십자가 처형, 1502–3, Perugino의 양식이 매우 짙게 드러남 National Gallery - 성모 대관식 1502–3 Pinacoteca Vaticana - 성모의 결혼, 이 시기 Raphael의 가장 세련된 제단화 Pinacoteca di Brera - 성 게오르기우스와 용, Urbino 궁정을 위한 소형 작품 29 x 21 cm Louvre

Florence의 영향

Raphael은 "유랑" 생활을 했으며, 이탈리아 북부의 여러 중심지에서 작업했지만, 아마도 1504년경부터 Florence에서 상당한 시간을 보냈다. 1504년에서 1508년경의 "Florence 시기"에 대한 전통적인 언급이 있지만, 그가 그곳에 계속 거주했던 적은 없었을 가능성이 있다. 어쨌든 그는 재료를 확보하기 위해 이 도시를 방문해야 했을 것이다. 1504년 10월에 작성된 Raphael의 추천서가 있는데, Urbino의 다음 공작의 어머니가 Florence의 군기수장에게 보낸 것이다: "이 서한을 소지한 사람은 Urbino의 화가 Raphael입니다. 그는 자신의 직업에서 대단한 재능을 지녔으며 연구를 위해 Florence에서 시간을 보내기로 결심했습니다. 그의 아버지는 가장 훌륭한 분이었고 저는 그에게 매우 애착이 있었으며, 그의 아들은 분별력 있고 예의 바른 젊은이이기에, 이 두 가지 이유로 저는 그를 깊이 사랑합니다..."

이전에 Perugino와 다른 이들에게서 그랬듯이, Raphael은 자신만의 발전하는 스타일을 유지하면서도 Florence 예술의 영향을 흡수할 수 있었다. 1505년경 Perugia의 프레스코화는 인물들에서 새로운 기념비적 품격을 보여주는데, 이는 Vasari가 Raphael의 친구였다고 말하는 Fra Bartolomeo의 영향을 나타낼 수 있다. 그러나 이 시기 작품에서 가장 눈에 띄는 영향은 1500년부터 1506년까지 도시로 돌아온 Leonardo da Vinci이다. Raphael의 인물들은 더욱 역동적이고 복잡한 자세를 취하기 시작했으며, 아직 그의 회화 주제는 대부분 고요하지만, 그는 싸우는 나체 남성들의 소묘 연구를 했는데, 이는 당시 Florence에서 집착의 대상 중 하나였다. 또 다른 소묘는 막 완성된 Mona Lisa의 4분의 3 길이 피라미드형 구도를 사용한 젊은 여성의 초상화지만, 여전히 완전히 Raphael적으로 보인다. Leonardo의 또 다른 구도적 발명인 피라미드형 성가족은 그의 가장 유명한 이젤 회화들 중에 남아 있는 일련의 작품들에서 반복되었다. Royal Collection에는 Leonardo의 유실된 <레다와 백조>를 그린 Raphael의 소묘가 있는데, 그는 여기서 자신의 <알렉산드리아의 성 카타리나>를 위해 콘트라포스토 자세를 차용했다. 그는 또한 Leonardo의 스푸마토 모델링을 자신만의 방식으로 완성하여 살결 표현에 미묘함을 주었고, 그룹들 간의 시선 교차를 발전시켰는데, 이는 Leonardo의 것보다 훨씬 덜 수수께끼 같다. 그러나 그는 자신의 회화에서 Perugino의 부드럽고 맑은 빛을 유지한다.

 <분홍빛 마돈나>, 1506-07년경, National Gallery, London

Leonardo는 Raphael보다 서른 살 이상 많았지만, 이 시기에 Rome에 있었던 Michelangelo는 그보다 겨우 여덟 살 위였다. Michelangelo는 이미 Leonardo를 싫어했고, Rome에서는 Raphael을 더욱 싫어하게 되었으며, 자신을 향한 음모를 이 젊은이 탓으로 돌렸다. Raphael은 Florence에서 그의 작품들을 알고 있었을 것이지만, 이 시기 그의 가장 독창적인 작품에서는 다른 방향으로 나아갔다. 그의 <그리스도의 강하>는 고전적 석관에서 착안하여 인물들을 화면 전면에 걸쳐 복잡하고 완전히 성공적이지는 않은 배열로 펼쳐놓았다. Wöllflin은 오른쪽의 무릎 꿇은 인물에서 Michelangelo의 <도니 톤도>에 나오는 마돈나의 영향을 감지하지만, 나머지 구도는 그의 스타일이나 Leonardo의 스타일과는 거리가 멀다. 당시에는 높이 평가받았고 훨씬 후에 Borghese 가문에 의해 Perugia에서 강제로 반출되었지만, 이 작품은 Raphael의 작품 중에서 다소 독립적으로 서 있다. 그의 고전주의는 후에 덜 문자적인 방향을 취하게 된다.

- <안시데이 마돈나>, 1505년경, Perugino로부터 벗어나기 시작하다 - <초원의 마돈나>, 1506년경, 성가족 주제에 Leonardo의 피라미드형 구도를 사용 - <알렉산드리아의 성 카타리나>, 1507년, 아마도 Leonardo의 <레다>의 자세를 반영 - <그리스도의 강하>, 1507년, 로마 석관에서 착안

Rome 시기

### Vatican "Stanze"

1508년, Raphael은 Rome으로 이주했으며, 그곳에서 생애 동안 거주했다. 그는 새 교황 Julius II세의 초청을 받았는데, 아마도 그의 건축가 Donato Bramante의 제안으로 보인다. 당시 St. Peter's Basilica 작업에 참여하고 있던 Bramante는 Urbino 바로 외곽 출신으로 Raphael과 먼 친척 관계였다. 첫 소환 후 Rome에서 몇 달간 기다려야 했던 Michelangelo와 달리, Raphael은 Julius에게 즉시 의뢰를 받아 Vatican Palace에서 교황의 개인 서재로 계획된 곳에 프레스코화를 그리게 되었다. 이것은 그가 이전에 받았던 어떤 의뢰보다 훨씬 크고 중요한 것이었다. 그는 Florence 자체에서 제단화를 단 한 점만 그렸을 뿐이었다. 여러 다른 예술가들과 그들의 조수 팀들이 이미 다른 방들에서 작업 중이었으며, 많은 이들이 Julius가 혐오했던 전임자 Alexander VI세가 의뢰한 최근 완성된 그림들을 덧칠하고 있었다. Julius는 궁전에서 그의 기여와 문장을 지워버리기로 결심했었다. 한편 Michelangelo는 Sistine Chapel 천장화를 의뢰받았다.

현재 Vasari 시대의 용도를 따라 Stanza della Segnatura로 알려진 유명한 "Stanze" 또는 "Raphael의 방들" 중 이 첫 번째 그림은 Rome 예술계에 놀라운 충격을 주었으며, <아테네 학당>, <파르나소스>, <성체 논쟁>을 포함하여 일반적으로 그의 가장 위대한 걸작으로 여겨진다. Raphael은 이후 Perugino와 Signorelli를 포함한 다른 예술가들을 대체하며 추가 방들을 그리도록 지명받았다. 그는 세 개의 방으로 이루어진 연작을 완성했으며, 각 방은 벽마다 그리고 종종 천장에도 그림이 있었고, 점차 자신의 상세한 소묘로부터의 그림 작업을 자신이 확보한 대규모의 숙련된 작업실 팀에게 맡겼다. 그들은 네 번째 방을 추가했는데, 아마도 Raphael이 디자인한 일부 요소만을 포함했을 것이며, 이는 1520년 그의 이른 죽음 이후였다. 1513년 Julius의 죽음은 작업을 전혀 중단시키지 않았는데, Raphael의 마지막 교황인 Medici 가문의 교황 Leo X세가 그를 계승했기 때문이다. Raphael은 그와 더욱 긴밀한 관계를 형성했고, Leo X세는 계속해서 그에게 작업을 의뢰했다. Raphael의 친구인 추기경 Bibbiena 또한 Leo의 옛 가정교사 중 한 명이었으며 가까운 친구이자 조언자였다.  파르나소스, 1511, Stanza della Segnatura

Raphael은 이 방을 그리는 과정에서 Michelangelo의 Sistine Chapel 천장화로부터 분명한 영향을 받았다. Vasari는 Bramante가 그를 비밀리에 들여보냈다고 전한다. 첫 번째 구역은 1511년에 완성되었고, Michelangelo의 압도적인 힘에 대한 다른 예술가들의 반응은 이후 수십 년간 이탈리아 예술계를 지배하는 화두였다. 이미 영향을 흡수하여 자신만의 양식으로 승화시키는 재능을 보여준 Raphael은 어떤 예술가보다도 뛰어나게 이 도전에 응했다. 가장 이르고 명확한 사례 중 하나는 <아테네 학당>에 그려진 Michelangelo 본인의 초상으로, 그는 헤라클레이토스로 묘사되었으며, Sistine 천장화의 시빌라들과 이그누디로부터 명백히 영향을 받은 것으로 보인다. 이 작품과 이후 방에 그려진 다른 인물들도 동일한 영향을 보여주지만, 여전히 Raphael 고유의 양식 발전과 응집력을 유지한다. Michelangelo는 Raphael을 표절로 비난했고, Raphael 사후 수년이 지나서도 한 편지에서 "그가 예술에 대해 아는 모든 것은 나로부터 얻은 것"이라고 불평했지만, 다른 인용문들은 보다 관대한 반응도 보여준다.

이 매우 크고 복잡한 구성들은 이후 줄곧 성기 르네상스 대양식의 최고 걸작이자, 고전 이후 서양의 "고전 예술"로 평가받아 왔다. 이 작품들은 표현된 형태들을 고도로 이상화하여 묘사하며, 드로잉에서 매우 신중하게 구상된 구성들은 그의 친구 Castiglione이 창안한 용어인 "스프레차투라"를 달성한다. Castiglione은 이를 "모든 기교를 감추고 말하거나 행하는 모든 것이 꾸밈없고 자연스러워 보이게 하는 일종의 무심함..."이라고 정의했다. Michael Levey에 따르면, "Raphael은 유클리드적 확실성의 우주 안에서 초인적인 명료함과 우아함을 부여한다." 처음 두 방의 그림은 거의 모두 최고 수준의 품질이지만, Stanze의 후기 구성들, 특히 극적인 행동이 포함된 것들은 구상이나 작업실에 의한 실행 면에서 완전히 성공적이지는 않다.

- Stanza della Segnatura - 볼세나의 미사, 1514, Stanza di Eliodoro - 성 베드로의 구출, 1514, Stanza di Eliodoro - 보르고의 화재, 1514, Stanza dell'incendio del Borgo, Raphael의 설계에 따라 작업실이 그림

### 건축

1514년 Bramante 사후, Raphael은 새로운 St Peter's의 건축가로 임명되었다. 그곳에서의 그의 작업 대부분은 그의 사후와 Michelangelo의 설계 채택 이후 변경되거나 철거되었지만, 몇 점의 드로잉이 남아 있다. 그의 설계는 최종 설계보다 교회를 훨씬 더 어둡게 만들었을 것으로 보이며, 신랑 전체에 걸쳐 거대한 교각들이 배치되어 Antonio da Sangallo the Younger의 비판적인 사후 분석에 따르면 "골목길 같았을" 것이다. 아마도 <헬리오도로스의 신전 추방>의 배경에 있는 신전과 유사했을 것이다.

그는 여러 다른 건물들을 설계했으며, 짧은 기간 동안 Roma에서 가장 중요한 건축가로서 교황청 주변의 소규모 인사들을 위해 일했다. Julius는 Roma의 도로 계획을 변경하여 여러 새로운 대로를 만들었고, 그것들을 화려한 궁전들로 채우기를 원했다.

Leo의 교황청 시종장 Giovanni Battista Branconio을 위한 중요한 건물인 Palazzo Branconio dell'Aquila는 Bernini의 St. Peter's 광장을 만들기 위해 완전히 철거되었지만, 정면과 안뜰의 드로잉은 남아 있다. 정면은 당시로서는 유례없이 풍부하게 장식되었으며, 3층 건물의 최상층에는 채색 패널이, 중간층에는 많은 조각이 있었다.

 Chigi Chapel 전경

Villa Farnesina의 주요 설계는 Raphael의 것이 아니었지만, 그는 같은 후원자인 교황청 재무관 Agostino Chigi를 위해 Chigi Chapel을 설계하고 모자이크로 장식했다. Pope Leo의 주치의를 위한 또 다른 건물인 Palazzo Jacopo da Brescia는 1930년대에 이전되었지만 현존하며, 이는 Raphael 자신이 한때 거주했던 Bramante의 같은 거리 궁전을 보완하도록 설계되었다.

추기경 Giulio de' Medici(후일 Pope Clement VII)를 위한 호화로운 언덕 휴양지 Villa Madama는 완성되지 못했으며, 그의 전체 계획은 추정을 통해 재구성해야 한다. 그는 설계를 제작했고 최종 건설 계획은 Antonio da Sangallo the Younger가 완성했다. 미완성이었음에도, 이는 이탈리아에서 볼 수 있었던 가장 정교한 빌라 설계였으며 이 장르의 후기 발전에 큰 영향을 미쳤다. 이는 Palladio가 실측 드로잉을 그린 Roma의 유일한 근대 건물로 보인다.

Regola 구역의 새로운 via Giulia에 자신을 위해 계획한 대규모 궁전에 대해서는 일부 평면도만 남아 있으며, 그는 말년에 그곳의 토지를 모으고 있었다. 이는 Tiber 강 근처의 불규칙한 섬 형태 구역에 있었다. 모든 정면에는 적어도 2층 높이로 솟아 piano nobile의 전체 높이까지 이르는 거대한 필라스터 오더가 배치될 예정이었던 것으로 보이며, 이는 "사적 궁전 설계에서 전례 없는 과장된 특징"이었다.

Raphael은 Marco Fabio Calvo에게 Vitruvius의 건축 4서를 이탈리아어로 번역하도록 요청했으며, 1514년 8월 말경 이를 받았다. 이는 Raphael의 손으로 쓴 여백 주석과 함께 Munich의 도서관에 보존되어 있다.

### 고대 1510년경, Raphael은 Bramante로부터 라오콘과 그의 아들들의 당대 모작들을 평가해달라는 요청을 받았다. 1515년, 그는 도시 내부와 도시 외곽 1마일 이내에서 발굴된 모든 고대 유물을 관장하는 장관직의 권한을 부여받았다. 고대 유물을 발굴하는 자는 누구든 3일 이내에 Raphael에게 알려야 했으며, 석공들은 허가 없이 비문을 파괴할 수 없었다. Raphael은 교황 레오에게 고대 기념물의 파괴를 막을 방법을 제안하는 서한을 작성했고, 조직적인 방식으로 모든 고대 유물을 기록하기 위한 도시의 시각적 조사를 제안했다. 교황은 성 베드로 대성당 건축에 고대 석재를 계속 재사용할 의도였으나, 돌들이 재사용되기 전에 모든 고대 비문이 기록되고 조각품이 보존되도록 하고자 했다.

마리노 사누토 2세의 일기에 따르면, 1519년 Raphael은 아우구스투스 영묘에서 성 베드로 광장으로 오벨리스크를 90,000두카트에 운반하겠다고 제안했다. 마르칸토니오 미키엘에 따르면, Raphael의 "젊은 죽음은 문인들을 슬프게 했는데, 그가 만들고 있던 매우 아름다운 고대 로마에 대한 기술과 그림을 완성할 수 없었기 때문이다". Raphael은 고대 로마의 고고학적 지도를 제작하려 했으나 이는 결코 실행되지 못했다. 그의 고고학적 드로잉 네 점이 보존되어 있다.

### 기타 회화 프로젝트

Vatican 프로젝트가 그의 시간 대부분을 차지했지만, 그는 여러 초상화를 그렸는데, 그의 두 주요 후원자인 교황 율리우스 2세와 그의 후계자 레오 10세의 초상화를 포함하며, 전자는 그의 가장 훌륭한 작품 중 하나로 평가받는다. 다른 초상화들은 카스틸리오네 같은 그 자신의 친구들이나 교황청 측근들을 그린 것이었다. 다른 통치자들도 작품을 의뢰했고, 프랑스 왕 프랑수아 1세에게는 교황으로부터 외교 선물로 두 점의 그림이 보내졌다. 엄청나게 부유한 은행가이자 교황청 재무관인 아고스티노 키지를 위해, 그는 갈라테아의 승리를 그렸고 그의 빌라 파르네시나를 위한 추가 장식 프레스코화, 산타 마리아 델라 파체 교회의 예배당, 산타 마리아 델 포폴로의 장례 예배당을 위한 모자이크를 설계했다. 그는 또한 빌라 마다마의 장식 일부를 설계했으며, 두 빌라의 작업은 그의 작업장에서 실행되었다.

 기적의 고기잡이, 1515, Sistine Chapel의 태피스트리를 위한 일곱 점의 현존하는 Raphael Cartoons 중 하나 (Victoria and Albert Museum)

그의 가장 중요한 교황청 의뢰 중 하나는 현재 Victoria and Albert Museum에 있는 Raphael Cartoons로, Sistine Chapel을 위한 성 바울과 성 베드로의 생애 장면이 담긴 태피스트리를 위한 10점의 카툰 시리즈 중 일곱 점이 현존한다. 카툰들은 피어 판 알스트의 작업장에서 직조되기 위해 브뤼셀로 보내졌다. Raphael이 그의 죽음 전에 완성된 시리즈를 보았을 가능성이 있다—아마도 1520년에 완성되었을 것이다. 그는 또한 Vatican의 로지에를 설계하고 그렸는데, 한쪽은 안뜰로 열린 길고 좁은 회랑으로 로마 양식의 그로테스크로 장식되었다. 그는 성녀 체칠리아의 황홀경과 시스티나 성모를 포함하여 여러 중요한 제단화를 제작했다. 그가 죽음에 이르기까지 작업하던 그의 마지막 작품은 대형 변모 장면이었으며, 이는 일 스파시모와 함께 그의 예술이 마지막 몇 년간 향하던 방향—매너리즘보다는 원시 바로크—을 보여준다.

- 갈라테아의 승리, 1512, 키지의 빌라 Villa Farnesina를 위한 그의 유일한 주요 신화 작품 - 일 스파시모, 1517, 그의 예술에 새로운 수준의 표현성을 가져왔다. Museo del Prado - 성가족, 1518 Louvre - 변모, 1520, 그의 죽음으로 미완성. Pinacoteca Vaticana

회화 재료

Raphael은 그의 작품 중 여러 점을 나무 지지대에 그렸는데 핑크의 성모가 그러하지만, 캔버스도 사용했으며 시스티나 성모가 이에 해당하고, 아마인유나 호두유 같은 건성유를 사용한 것으로 알려져 있다. 그의 팔레트는 풍부했으며 군청색, 납-주석-황색, 카민, 주홍색, 매더 레이크, 베르디그리와 황토색 같은 당시 사용 가능한 거의 모든 안료를 사용했다. 안시데이 성모를 포함한 여러 그림에서 그는 희귀한 브라질우드 레이크, 금속 분말 금, 심지어 덜 알려진 금속 분말 비스무트까지 사용했다.

공방

Vasari에 따르면 Raphael은 결국 50명의 제자와 조수로 구성된 공방을 운영했으며, 이들 중 다수는 후에 독자적으로 중요한 예술가가 되었다. 이는 단일 거장 화가 아래 구성된 공방 팀 중 가장 규모가 컸다고 할 수 있으며, 당시 일반적인 수준을 훨씬 웃도는 것이었다. 공방에는 이탈리아 다른 지역 출신의 기성 거장들도 포함되어 있었는데, 이들은 아마도 하청업자로서 자신의 팀을 거느리고 작업했을 것이며, 제자와 직인들도 함께했다. 공방의 내부 운영 방식에 대한 증거는 거의 없으며, 예술 작품 자체만이 남아 있을 뿐인데, 이마저도 특정 인물의 손을 특정하기가 매우 어려운 경우가 많다.

가장 중요한 인물은 Giulio Romano였다. 그는 Rome 출신의 젊은 제자로 Raphael이 사망했을 때 겨우 스물한 살 정도였다. 또 다른 핵심 인물은 이미 Florence의 거장이었던 Gianfrancesco Penni였다. 이들은 Raphael의 드로잉과 다른 유품을 많이 물려받았으며, 어느 정도 Raphael 사후에도 공방을 이어갔다. Penni는 Giulio와 동등한 개인적 명성을 얻지는 못했다. Raphael이 죽은 후 그는 이후 경력의 상당 부분 동안 Giulio의 동등하지 못한 협력자가 되었기 때문이다. 이미 거장이었던 Perino del Vaga와, 현장에서 건축 자재를 나르는 노동자에서 승진했다고 전해지는 Polidoro da Caravaggio도 각자의 영역에서 주목할 만한 화가가 되었다. Polidoro의 동료였던 Maturino da Firenze는 Penni처럼 후세의 평판에서 동료에게 가려졌다. Giovanni da Udine는 좀 더 독립적인 지위를 가졌으며, 주요 프레스코화를 둘러싼 장식용 스투코 작업과 그로테스크 장식을 담당했다. 예술가 대부분은 후에 흩어졌고, 일부는 1527년의 폭력적인 Rome 약탈로 목숨을 잃었다. 그러나 이는 오히려 Raphael 양식의 여러 버전이 이탈리아 전역과 그 너머로 확산되는 데 기여했다.

 Elisabetta Gonzaga의 초상, 1504년경

Vasari는 Raphael이 매우 조화롭고 효율적인 공방을 운영했으며, 후원자와 조수 모두와의 갈등과 논쟁을 무마하는 데 탁월한 기술을 가졌다고 강조한다. 이는 Michelangelo가 양측과 맺은 폭풍 같은 관계 패턴과 대조를 이룬다. 그러나 Penni와 Giulio 모두 그들의 손과 Raphael 자신의 손을 구별하는 것이 여전히 어려울 정도로 충분히 숙련되었지만, Raphael의 후기 벽화 중 다수와, 아마도 일부 이젤화는 실행보다는 디자인으로 더 주목받는 것이 사실이다. 그의 초상화 중 다수는 상태가 양호할 경우, 생애 말기까지 물감을 다루는 세밀한 솜씨에서 그의 탁월함을 보여준다.

다른 제자나 조수로는 Raffaellino del Colle, Andrea Sabbatini, Bartolommeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo Tamagni, Battista Dossi, Tommaso Vincidor, Urbino 출신 화가인 Timoteo Viti, 그리고 Giulio의 처남인 조각가이자 건축가 Lorenzetto가 있다. Raphael 주변의 판화 제작자와 건축가들은 아래에서 논의한다. Flemish 출신의 Bernard van Orley가 한때 Raphael 밑에서 일했다는 주장이 있으며, Gianfrancesco의 동생이자 후에 Fontainebleau 제1파의 일원이 된 Luca Penni도 팀의 구성원이었을 가능성이 있다.

### 초상화

- Elisabetta Gonzaga의 초상, 1504년경 - 교황 Julius II의 초상, 1512년경 - Bindo Altoviti의 초상, 1514년경 - Baldassare Castiglione의 초상, 1515년경

드로잉

Raphael은 서양 미술사에서 가장 뛰어난 소묘가 중 한 명이었으며, 구도를 계획하기 위해 드로잉을 광범위하게 활용했다. 동시대 인물의 증언에 따르면, 그는 구도 계획을 시작할 때 자신의 방대한 습작 드로잉들을 바닥에 펼쳐놓고 여기저기서 형상을 차용하며 "신속하게" 그리기 시작했다고 한다. Stanze의 Disputa를 위한 스케치만 40점 이상이 현존하며, 원래는 훨씬 더 많았을 가능성이 크다. 전체적으로 400장이 넘는 습작이 남아 있다. 그는 포즈와 구도를 정교화하기 위해 다양한 드로잉을 사용했는데, 현존하는 변형본의 수로 판단하건대 대부분의 다른 화가들보다 훨씬 더 광범위하게 활용한 것으로 보인다. 그의 사후 다른 작가는 이렇게 썼다. "발명력이 풍부했던 Raphael 본인이 바로 이런 식으로 작업했다. 서사를 보여주는 네 가지 혹은 여섯 가지 방식을 항상 고안해냈고, 각각은 나머지와 달랐으며, 모두 우아함으로 가득하고 훌륭하게 완성되었다." John Shearman에게 Raphael의 예술은 "자원을 생산에서 연구개발로 이동시킨 전환"을 의미한다.

최종 구도가 완성되면, 실물 크기로 확대된 카르톤을 제작하는 경우가 많았는데, 이를 핀으로 구멍을 뚫고 그을음 주머니로 "두드려" 표면에 점선을 남겨 가이드로 삼았다. 그는 또한 종이와 석고 모두에 "블라인드 스타일러스"를 유난히 광범위하게 사용했는데, 이는 자국만 남기고 흔적은 남기지 않는 긁는 선을 그리는 방식이었다. 이는 아테네 학당의 벽면과 많은 드로잉 원본에서 확인할 수 있다. 태피스트리 디자인인 "Raphael Cartoons"는 브뤼셀로 보내져 직조공들이 따라 작업할 수 있도록 아교 템페라 매체로 완전히 채색되었다.

 Lucretia, Raphael의 드로잉을 바탕으로 Raimondi가 판화로 제작

공방에서 제작한 후기 작품들에서는 드로잉이 종종 회화보다 훨씬 더 매력적이다. 대부분의 Raphael 드로잉은 상당히 정밀하다. 윤곽만 있는 나체 인물의 초기 스케치조차 신중하게 그려졌고, 후기 작업 드로잉은 종종 음영과 때로는 흰색 하이라이트를 포함해 높은 완성도를 보인다. Leonardo나 Michelangelo의 스케치가 지닌 자유로움과 에너지는 부족하지만, 거의 항상 미학적으로 매우 만족스럽다. 그는 메탈포인트—말 그대로 은이나 다른 금속의 날카로운 뾰족한 조각—를 광범위하게 사용한 마지막 예술가 중 한 명이었지만, 동시에 더 자유로운 매체인 적색 또는 흑색 초크도 뛰어나게 활용했다. 말년에 그는 예비 드로잉에 여성 모델을 사용한 최초의 예술가 중 한 명이었다. 당시에는 양성 모두를 연구할 때 남성 제자 "garzoni"를 사용하는 것이 일반적이었다.

- 그리스도의 부활 속 병사들을 위한 습작, 1500년경 - Villa Farnesina의 삼미신을 위한 적색 초크 습작 - Alba Madonna 습작 및 기타 스케치가 포함된 종이 - 성모자상 구도 전개 과정

판화 제작

Raphael은 직접 판화를 제작하지 않았지만, Marcantonio Raimondi와 협업하여 자신의 디자인을 판화로 제작했고, 이는 한 세기의 가장 유명한 이탈리아 판화들을 탄생시켰으며 복제 판화의 부상에 중요한 역할을 했다. 이러한 관심은 그만한 거장에게는 이례적인 것이었다. 동시대 예술가 중에서는 Raimondi와 훨씬 덜 성공적으로 작업했던 Titian만이 유사한 관심을 보였다. 총 50점 정도의 판화가 제작되었다. 일부는 Raphael의 회화를 복제한 것이었지만, 다른 디자인들은 순전히 판화로 전환하기 위해 Raphael이 창작한 것으로 보인다. Raphael은 Raimondi가 판화로 옮길 수 있도록 예비 드로잉을 제작했으며, 이 중 많은 작품이 현존한다.

 순교 아기들의 학살, Raphael의 디자인을 바탕으로 Marcantonio Raimondi가 제작한 판화. 초기 판본, "전나무 없는"

이 협업에서 나온 가장 유명한 오리지널 판화는 Lucretia, 파리스의 심판, 그리고 거의 동일한 두 버전으로 판화된 순교 아기들의 학살이다. 회화를 판화로 옮긴 작품 중에서는 상당한 차이가 있는 파르나소스와 Galatea가 특히 잘 알려졌다. 이탈리아 밖에서는 Raimondi와 다른 이들의 복제 판화가 20세기까지 Raphael의 예술을 경험하는 주요 방식이었다. Vasari가 "Il Baviera"라고 부른 Baviero Carocci는 Raphael이 분명히 자신의 돈을 맡긴 조수였는데, Raphael 사후 대부분의 동판을 장악하게 되었고 판화 출판업자라는 새로운 직업에서 성공적인 경력을 쌓았다.

- Chigi Chapel의 시빌라를 위한 드로잉 - 순교 아기들의 학살, Raphael의 디자인을 바탕으로 Marcantonio Raimondi가 제작한 판화. 초기 판본, "전나무 없는" - 파리스의 심판, 여전히 Manet에게 영향을 미쳤으며, 그는 자신의 가장 유명한 작품에서 앉아 있는 그룹을 사용했다. - Galatea, Villa Farnesina의 프레스코를 바탕으로 한 판화

사생활과 죽음

1517년부터 죽을 때까지 Raphael은 Borgo의 piazza Scossacavalli와 via Alessandrina 사이 모퉁이에 위치한 Palazzo Caprini에 거주했는데, Bramante가 설계한 이 궁전에서 상당히 화려한 생활을 영위했다. 그는 결혼하지 않았으나 1514년 Cardinal Medici Bibbiena의 조카인 Maria Bibbiena와 약혼했다. 그는 추기경 친구의 설득으로 이 약혼에 응한 것으로 보이며, 1520년 그녀가 사망하기 전까지 결혼식이 거행되지 않은 것으로 보아 그의 열의 부족이 드러난다. 그에게 많은 연애사가 있었다고 전해지지만, 로마에서의 그의 삶에서 영구적인 존재는 "La Fornarina", 즉 Via del Governo Vecchio에 거주했던 Siena 출신의 제빵업자 Francesco Luti의 딸 Margherita Luti였다. 그는 교황의 "시종"으로 임명되어 궁정에서의 지위와 추가 수입을 얻었으며, 교황청 황금박차 기사단의 기사 작위도 받았다. Vasari는 그가 추기경이 되려는 야심을 품고 있었다고 주장하는데, 아마도 Leo의 격려를 받은 후였을 것이며, 이것이 그의 결혼 지연을 설명할 수도 있다.

 십 대 시절 Raphael이 그린 것으로 추정되는 자화상 드로잉

Raphael은 1520년 4월 6일 성금요일에 사망했는데, 이날은 아마도 그의 37번째 생일이었을 것이다. Vasari는 Raphael 역시 성금요일에 태어났다고 말하는데, 1483년에는 3월 28일이 성금요일이었으며, 화가는 Loggia 작업 중 끊임없는 연애 관계로 인한 탈진으로 사망했다고 한다. 후대 역사가들은 몇 가지 다른 가능성을 제기했다. 15일간 지속된 급성 질환 중에도 Raphael은 침착하게 죄를 고백하고, 종부성사를 받고, 자신의 일을 정리할 수 있었다. 그는 유언을 구술했는데, 여기서 충실한 하인 Baviera에게 맡긴 애인의 생계를 위한 충분한 자금을 남겼고, 작업실 내용물 대부분을 Giulio Romano와 Penni에게 남겼다. 그의 요청에 따라 Raphael은 Pantheon에 묻혔다.

Raphael의 장례식은 극도로 성대했으며 많은 군중이 참석했다. Paris de Grassis의 일지에 따르면, 보라색 옷을 입은 네 명의 추기경이 그의 시신을 운반했고, 교황이 그의 손에 입맞췄다. Pietro Bembo가 쓴 애가풍 2행시인 Raphael의 대리석 석관 비문은 다음과 같다: "여기 저 유명한 Raphael이 잠들어 있으니, 그가 살아있을 때 자연은 그에게 정복당할까 두려워했고, 그가 죽어갈 때 자연은 자신이 죽을까 두려워했도다."

- 자화상들 - 십 대 시절 Raphael이 그린 것으로 추정되는 자화상 드로잉 - 《아테네 학당》의 배경에 있는 Raphael, 자화상 - 《젊은 남자의 초상》, 1514년, 제2차 세계대전 중 소실. Raphael의 자화상 가능성 - 《친구와 함께한 자화상 추정작》, 1518년경

비평적 평가

Raphael은 동시대인들로부터 높은 찬사를 받았으나, 그의 세기 동안 예술 양식에 미친 영향력은 Michelangelo보다 적었다. 그의 사망 시점에 시작된 매너리즘과, 이후의 바로크는 예술을 Raphael의 특질과 "완전히 반대되는 방향"으로 이끌었다. Walter Friedländer의 표현처럼 "Raphael의 죽음과 함께 고전 예술 – 전성기 르네상스 – 은 쇠퇴했다". 그는 곧 매너리즘의 과도함을 싫어하는 이들에게 이상적 모델로 여겨지게 되었다:

> 16세기 중반에는 일반적으로... Raphael이 이상적으로 균형 잡힌 화가이며, 재능에 있어 보편적이고, 모든 절대적 기준을 충족시키며, 예술을 지배해야 한다고 여겨지는 모든 규칙을 준수한다는 견해가 널리 받아들여졌다. 반면 Michelangelo는 괴짜 천재로, 남성 누드 소묘라는 자신의 특정 분야에서는 다른 어떤 예술가보다 뛰어나지만, 균형이 잡혀 있지 않고 위대한 예술가에게 필수적인 우아함과 절제 같은 특정 자질이 부족하다는 것이었다. Dolce와 Aretino 같이 이러한 견해를 가진 이들은 대개 르네상스 인본주의의 생존자들로, Michelangelo가 매너리즘으로 나아가는 것을 따를 수 없었던 이들이었다.

Vasari 자신도 Michelangelo를 영웅으로 여겼음에도 불구하고, 그의 영향력이 어떤 면에서는 해롭다고 보게 되었으며, Lives의 2판에 유사한 견해를 표현하는 구절들을 추가했다.

Raphael의 구도는 언제나 감탄받고 연구되었으며, 예술 아카데미 교육의 초석이 되었다. 그의 영향력이 가장 컸던 시기는 17세기 후반부터 19세기 후반까지였으며, 당시 그의 완벽한 품위와 균형은 크게 찬사받았다. 그는 장르 위계에서 가장 높은 것으로 여겨지던 역사화의 최고 모델로 간주되었다. Joshua Reynolds 경은 그의 Discourses에서 Raphael의 "단순하고, 엄숙하며, 장엄한 위엄"을 칭송하며 그가 "일류 화가들 중 일반적으로 가장 앞서 있다"고 말했는데, 특히 "Raphael Cartoons"를 포함한 프레스코화에 대해서 그러했다. 반면 "Michael Angelo는 그다음 주목을 받는다. 그는 Raffaelle만큼 많은 탁월함을 소유하지 못했지만, 그가 가진 것들은 최고 수준이었다..." 위의 16세기 견해를 반영하며, Reynolds는 Raphael에 대해 계속해서 말한다:

> 이 비범한 인물의 탁월함은 그의 인물들의 적절성, 아름다움, 장엄함, 구도의 현명한 고안, 소묘의 정확성, 취향의 순수성, 그리고 다른 사람들의 개념을 자신의 목적에 맞게 능숙하게 조정하는 능력에 있었다. 그가 자신의 자연 관찰에 Michael Angelo의 에너지와 고대의 아름다움과 단순함을 결합한 그 판단력에서 그를 능가하는 이는 없었다. 따라서 Raffaelle과 Michael Angelo 중 누가 1위를 차지해야 하는가라는 질문에 대해서는, 만약 그것이 다른 어떤 이보다 예술의 고급 특질들을 더 큰 조합으로 소유한 이에게 주어져야 한다면, Raffaelle이 첫 번째임에 의심의 여지가 없다고 답해야 한다. 그러나 만약 Longinus에 따라, 숭고함이 인간의 창작물이 도달할 수 있는 최고의 탁월함이며 다른 모든 아름다움의 부재를 충분히 보상하고 다른 모든 결함을 속죄한다면, 그렇다면 Michael Angelo가 우위를 요구한다.

Reynolds는 Raphael의 패널화에 대해서는 덜 열정적이었으나, 이것들의 약간의 감상주의는 19세기에 그것들을 엄청나게 인기 있게 만들었다. 1862년에 태어난 Wölfflin은 Raphael의 성모상들에 대해 "우리는 어린 시절부터 그것들에 익숙해져 왔는데, 세계의 다른 어떤 예술가도 이처럼 방대한 양의 복제품을 가져본 적이 없다..."고 썼다.

독일에서 Raphael은 19세기 나자레파 운동과 Düsseldorf 화파의 종교 예술에 막대한 영향을 미쳤다. 대조적으로, 영국에서 Pre-Raphaelite Brotherhood는 그의 영향력과 Joshua Reynolds 같은 그의 추종자들의 영향력에 명시적으로 반발하며, 그들이 보기에 그의 해로운 영향 이전의 양식으로 되돌아가려 했다. 그들에게 큰 영향을 미친 비평가 John Ruskin에 따르면:

> 유럽 예술의 운명은 그 방[Stanza della Segnatura]에서 나왔으며, 그것은 쇠퇴의 시작을 그렇게 표시한 사람의 바로 그 탁월함에 의해 상당 부분 초래되었다. 그의 작품들과 그의 위대한 동시대인들의 작품에서 달성된 실행의 완벽함과 특징의 아름다움은 실행의 완성도와 형태의 아름다움을 모든 예술가들의 주된 목표로 만들었다. 그리고 그 이후로 사상보다는 실행이, 진실성보다는 아름다움이 추구되었다.

그리고 내가 말했듯이, 이것들이 예술 쇠퇴의 두 가지 부차적 원인이다. 첫 번째는 도덕적 목적의 상실이다. 명확히 주목하라. 중세 예술에서는 사상이 첫 번째이고 실행이 두 번째이다. 현대 예술에서는 실행이 첫 번째이고 사상이 두 번째이다. 그리고 다시, 중세 예술에서는 진실이 첫 번째이고 아름다움이 두 번째이다. 현대 예술에서는 아름다움이 첫 번째이고 진실이 두 번째이다. 중세 원칙들은 Raphael로 이어졌고, 현대 원칙들은 그로부터 내려간다.

1900년 무렵, Raphael의 인기는 Michelangelo와 Leonardo에게 추월당했는데, 아마도 Bouguereau 같은 19세기 아카데미 예술가들의 쇠약해진 라파엘주의에 대한 반발로 보인다. 미술사가 Bernard Berenson이 1952년에 Raphael을 전성기 르네상스의 "가장 유명하고 가장 사랑받는" 거장이라고 칭했지만, 미술사가 Leopold과 Helen Ettlinger는 20세기 Raphael의 낮은 인기가 "미술 도서관 서가의 내용물... Sistine Ceiling이나 Leonardo의 소묘들의 상세한 사진들을 또다시 복제하는 수많은 책들과 대조적으로, Raphael에 관한 문헌, 특히 영어로 된 것은 소수의 책들로 제한된다"는 점에서 명백하다고 말한다. 그럼에도 불구하고 그들은 "모든 위대한 르네상스 거장들 중에서 Raphael의 영향력이 가장 지속적이다"라고 결론짓는다.