Glenn Gould

Glenn Herbert Gould는 캐나다 출신의 클래식 피아니스트였다. 20세기 가장 저명하고 찬사받는 피아니스트 중 한 명으로, 요한 제바스티안 바흐의 건반 작품 해석자로서 명성을 떨쳤다. Gould의 연주는 탁월한 기교적 숙련도와 바흐 음악의 대위법적 짜임새를 명료하게 표현하는 능력으로 구별되었다.

Gould는 쇼팽, 리스트 등 낭만파의 표준 피아노 레퍼토리 대부분을 거부하고, 주로 바흐와 베토벤을, 그리고 일부 후기 낭만파 및 모더니즘 작곡가들을 선호했다. 그의 음반은 바흐와 베토벤이 지배적이었지만, Gould의 레퍼토리는 모차르트, 하이든, 브람스의 작품들, 얀 피터르스존 스벨링크와 올랜도 기번스 같은 바로크 이전 작곡가들, 그리고 파울 힌데미트, 아르놀트 쇤베르크, 리하르트 슈트라우스를 포함한 20세기 작곡가들에 이르기까지 다양했다. Gould는 비정통적인 음악 해석과 건반 앞에서의 독특한 몸짓에서부터 생활방식과 행동 방식에 이르기까지 그의 기인적 면모로 유명했다. 그는 31세에 공개 연주회를 중단하고 스튜디오 녹음과 다른 프로젝트에 집중했다.

Gould는 또한 작가, 방송인, 작곡가이자 지휘자였다. 그는 음악 저널에 다수의 글을 기고하며 음악 이론을 논하고 자신의 음악 철학을 제시했다. 그는 텔레비전과 라디오에 출연했으며, 캐나다의 고립된 지역을 다룬 Solitude Trilogy라는 세 편의 뮈지크 콩크레트 라디오 다큐멘터리를 제작했다.

생애

### 초기 생애

Glenn Herbert Gould는 1932년 9월 25일 Toronto의 자택에서 Russell Herbert Gold(1901–1996)와 Florence Emma Gold(결혼 전 성 Grieg; 1891–1975) 사이에서 태어났다. 부모는 스코틀랜드, 잉글랜드, 노르웨이 혈통의 장로교도였다. 외할아버지는 노르웨이 작곡가 에드바르 그리그의 사촌이었다. 가족의 성은 1939년 무렵 비공식적으로 Gould로 변경되었는데, 전쟁 전 Toronto에 만연했던 반유대주의와 Gold라는 성이 지닌 유대인 연관성으로 인해 오해받는 것을 피하기 위해서였다. Gould는 유대인 혈통이 전혀 없었지만, 때때로 이 주제에 대해 농담을 하곤 했다. "사람들이 내가 유대인이냐고 물으면, 나는 전쟁 중에는 유대인이었다고 항상 말한다." 그의 어린 시절 집은 역사적 유적지로 지정되었다.

 1946년 2월, 앵무새 Mozart와 애견과 함께한 Gould

Gould의 음악에 대한 관심과 피아니스트로서의 재능은 매우 일찍부터 명백했다. 부모 모두 음악적 소양이 있었고, 특히 어머니는 유아기 Gould의 초기 음악 발달을 장려했다. 어머니는 그가 성공한 음악가가 되기를 바라며, 임신 중에도 그를 음악에 노출시켰다. 그녀는 후에 그에게 피아노를 가르쳤다. 아기였을 때, 그는 울음 대신 허밍을 하고 화음을 연주하듯 손가락을 꿈틀거렸다고 전해지며, 그의 의사는 그가 "의사나 피아니스트가 될 것"이라고 예언했다. 그는 글을 읽기 전에 악보를 읽는 법을 배웠고, 세 살 때 절대음감을 가지고 있었던 것으로 관찰되었다. 피아노가 주어졌을 때, 어린 Gould는 단음을 치고 그 긴 여운을 듣곤 했다고 전해지는데, 그의 아버지 Bert는 이것이 일반적인 아이들과는 다른 행동이라고 언급했다. Gould의 피아노에 대한 관심은 작곡에 대한 관심과 동시에 나타났다. 그는 가족, 친구들, 그리고 때로는 많은 청중 앞에서 자신의 작은 곡들을 연주했다. 1938년에는 Gould 가족 집에서 몇 블록 떨어진 Emmanuel Presbyterian Church에서 자작곡 중 하나를 연주하기도 했다.

여섯 살 때, 그는 유명한 독주자의 생 음악 공연을 처음으로 듣게 되었다. 이것은 그에게 깊은 영향을 미쳤다. 그는 후에 그 경험을 이렇게 묘사했다:

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Hofmann이었다. 내 생각에 Toronto에서의 그의 마지막 공연이었는데, 엄청난 인상을 받았다. 내가 정말로 기억하는 유일한 것은, 차를 타고 집으로 돌아오는 길에 나는 온갖 종류의 놀라운 소리가 머릿속을 지나가는 것을 듣는, 반쯤 잠에서 깬 그 멋진 상태에 있었다는 것이다. 그것들은 모두 오케스트라 소리였지만, 나는 그것들을 모두 연주하고 있었고, 갑자기 나는 Hofmann이 되었다. 나는 황홀했다.

10세에 그는 Toronto의 Royal Conservatory of Music(1947년까지는 Toronto Conservatory of Music으로 알려짐)에 다니기 시작했다. 그는 Leo Smith에게 음악 이론을, Frederick C. Silvester에게 오르간을, Alberto Guerrero에게 피아노를 배웠다. 거의 같은 시기에, 그는 Lake Simcoe 호숫가의 보트 경사로에서 떨어져 등을 다쳤다. 이 사건은 그 직후 그의 아버지가 만든 높이 조절 의자와 거의 확실히 관련이 있다. Gould의 어머니는 어린 Gould에게 건반 앞에서 바른 자세로 앉으라고 독려하곤 했다. 그는 평생 이 유명한 의자를 사용했고 거의 모든 곳에 그것을 가지고 다녔다. 이 의자는 Gould가 건반에 매우 낮게 앉을 수 있도록 설계되었으며, 위에서 건반을 치는 것이 아니라 아래로 끌어당길 수 있게 했는데, 이것은 Conservatory에서 그의 스승 Alberto Guerrero의 핵심 기술적 아이디어였다.

Gould는 각 음의 "분리성"과 명료함을 유지하면서도 매우 빠른 템포를 선택할 수 있게 하는 테크닉을 발전시켰다. 악기 앞의 극도로 낮은 자세는 그에게 건반에 대한 더 많은 통제력을 허용했다. Gould는 라벨의 라 발스를 자신이 편곡한 것과 베토벤의 교향곡 5번과 6번에 대한 리스트의 편곡 등 기교적이고 낭만적인 작품을 포함한 광범위한 레퍼토리를 연주하고 녹음하는 데 상당한 기술적 숙련도를 보여주었다. Gould는 어린 시절부터 Guerrero와 함께 손가락 태핑으로 알려진 기법을 연습했는데, 이는 손가락이 팔로부터 더 독립적으로 움직이도록 훈련하는 방법이었다.

Gould는 12세에 Conservatory의 피아노 최종 시험을 통과하여 모든 응시자 중 최고 점수를 받았으며, 따라서 그 나이에 피아니스트로서의 전문적 지위를 획득했다. 1년 후 그는 필기 이론 시험을 통과하여 Toronto Conservatory of Music 준회원(ATCM) 학위 자격을 갖추었다.

### 피아노 Gould는 신동이었으며 성인이 되어서는 음악적 천재로 묘사되었다. 그는 피아노 자체로 연습을 거의 하지 않았다고 주장했으며, Guerrero에게서 배운 또 다른 기법인 악보를 읽으며 레퍼토리를 공부하는 것을 선호했다. 그가 연습에 대해 아이러니하게 말했을 가능성이 있는데, 때때로 그가 상당히 열심히 연습했으며 자신만의 훈련법과 기법을 사용했다는 증거가 있기 때문이다.

그는 다른 피아니스트들이 하루에 여러 시간씩 연습하며 악기와의 관계를 지속적으로 강화해야 한다는 요구 사항을 이해하지 못한다고 말했다. Gould는 악기 없이도 정신적으로 연습할 수 있었던 것으로 보이며, 한번은 Brahms의 피아노 작품 녹음을 준비하면서 녹음 세션 몇 주 전까지 실제로 연주하지 않은 채로 준비하기까지 했다. Gould는 방대한 피아노 음악 레퍼토리뿐만 아니라 광범위한 관현악 및 오페라 편곡까지 암기로 연주할 수 있었다. 그는 "악보를 보는 즉시 암기"할 수 있었고, 한번은 친구 John Roberts에게 자신이 "즉시 암기로 연주하지 못할" 곡을 대보라고 도전하기도 했다.

피아노에 대해 Gould는 이렇게 말했다. "피아노는 내가 그 자체로 큰 애정을 가진 악기가 아니다... 내가 연주하는 악기 중 일부의 건반 액션을 조정했는데—그리고 모든 녹음에 사용하는 피아노는 현재 그렇게 조정되어 있다—표준보다 더 얕고 반응이 빠른 액션을 갖도록 했다. 파워 스티어링이 없는 자동차와 비슷한 메커니즘을 갖추게 되는 경향이 있다. 당신이 통제하는 것이지 피아노가 통제하는 것이 아니다. 피아노가 당신을 운전하는 것이 아니라 당신이 피아노를 운전하는 것이다. 이것이 피아노로 Bach를 연주하는 비결이다. 즉각적인 반응, 미세한 정의에 대한 통제력을 가져야 한다."

 1945년 Toronto의 Royal Conservatory of Music에서 스승 Alberto Guerrero와 함께한 Gould.

십대 시절, Gould는 Artur Schnabel, 그가 "단정하고 평온함과 확신의 감각을 지녔다"고 평가한 Rosalyn Tureck의 Bach 녹음, 그리고 지휘자 Leopold Stokowski로부터 큰 영향을 받았다. Gould는 생생한 상상력을 가진 것으로 알려져 있었다. 청중들은 그의 해석이 탁월하게 창의적인 것부터 노골적으로 괴짜 같은 것까지 다양하다고 여겼다. 그의 피아노 연주는 특히 대위법 구절에서 뛰어난 명료함과 박식함, 그리고 비범한 통제력을 지녔다. Gould는 피아노를 "대위법적 악기"로 믿었으며, 음악에 대한 그의 전체 접근법은 사실상 바로크 시대에 중심을 두고 있었다. 그 이후의 호모포니 음악 대부분은 덜 진지하고 덜 정신적인 예술 시기에 속한다고 그는 느꼈다.

Gould는 피아노 레퍼토리, 연주, 그리고 음악 전반에 대한 "쾌락주의적" 접근법이라고 그가 칭한 것에 대해 뚜렷한 혐오감을 가지고 있었다. Gould에게 이러한 의미에서의 "쾌락주의"는 피상적인 연극성을 의미했으며, 예를 들어 Mozart가 경력 후반으로 갈수록 점점 더 취약해진 것이라고 그는 느꼈다. 그는 이러한 쾌락주의로의 표류를 19세기 이후 콘서트 무대에서 과시주의와 불필요한 기교 숭배의 출현과 연관 지었다. 공개 연주회라는 제도는 그가 고군분투했고 궁극적으로 거부한 "유혈 스포츠"로 퇴락했다고 그는 느꼈다.

### 공연

1938년 6월 5일, 다섯 살의 나이에 Gould는 처음으로 공개 연주를 했는데, Ontario주 Uxbridge의 Business Men's Bible Class에서 열린 교회 예배에서 약 2천 명의 회중 앞에서 가족과 함께 무대에 올라 피아노를 연주했다. 1945년, 열세 살의 나이에 그는 Toronto Symphony와 함께 Beethoven의 피아노 협주곡 4번 1악장을 연주하며 오케스트라와 첫 공연을 가졌다. 그의 첫 독주회는 1947년에 이어졌고, 라디오에서의 첫 독주회는 1950년 CBC와 함께했다. 이것은 Gould와 라디오 및 녹음과의 오랜 인연의 시작이었다. 그는 1953년 첼리스트 Isaac Mamott과 바이올리니스트 Albert Pratz와 함께 실내악 그룹 Festival Trio를 창단했다.

1957년, Gould는 소련 순회공연을 떠났고, 제2차 세계대전 이후 그곳에서 연주한 최초의 북미인이 되었다. 그의 연주회는 Bach, Beethoven, 그리고 사회주의 리얼리즘 시대에 소련에서 억압되었던 Schoenberg와 Berg의 12음 기법 음악을 선보였다. Gould는 1958년 Peabody Mason Concert Series에서 연주하며 Boston 데뷔를 했다. 1960년 1월 31일, Gould는 CBS의 Ford Presents 시리즈에서 미국 텔레비전 데뷔를 했으며, Leonard Bernstein이 지휘하는 New York Philharmonic과 함께 Bach의 건반 협주곡 1번 D단조 BWV 1052를 연주했다.

Gould는 공개 연주회 제도가 시대착오적일 뿐만 아니라 "악의 세력"이라고 확신했으며, 이는 그의 연주회 은퇴로 이어졌다. 그는 공개 연주가 일종의 경쟁으로 타락했으며, 공감 능력이 없는 청중은 음악적으로나 그 외의 면에서 주로 연주자가 실수하거나 비평적 기대에 미치지 못할 가능성에만 주목한다고 주장했다. 그는 반쯤은 농담으로 이 교리를 "GPAADAK", 즉 모든 종류의 박수와 시위 폐지를 위한 Gould 계획에서 제시했다. 1964년 4월 10일, Gould는 Los Angeles의 Wilshire Ebell Theater에서 연주하며 마지막 공개 공연을 가졌다. 그날 밤 그가 연주한 곡들 중에는 Beethoven의 피아노 소나타 30번, Bach의 푸가의 기법에서 발췌한 곡들, 그리고 Paul Hindemith의 피아노 소나타 3번이 있었다. Gould는 경력 전체에 걸쳐 200회 미만의 연주회를 가졌으며, 그중 40회 미만이 캐나다 외부에서 이루어졌다. Van Cliburn 같은 피아니스트에게 200회의 연주회는 약 2년간의 투어에 해당했을 것이다. Gould가 실황 연주를 포기한 이유 중 하나는 녹음 스튜디오에 대한 미학적 선호였다. 그의 말에 따르면, 그곳에서 그는 "마이크와의 연애"를 발전시켰다. 그곳에서는 여러 테이크의 부분들을 선택하여 최종 음악 "작품"의 모든 측면을 통제할 수 있었다. 그는 이런 방식으로 악보를 더욱 완전하게 구현할 수 있다고 느꼈다. 따라서 Gould에게 음악적 작곡 행위는 원곡 악보로 완전히 끝나는 것이 아니었다. 연주자는 창조적 선택을 해야 했다. Gould는 연주자가 작품에 가져올 새로운 관점이 없다면 수세기 된 작품을 재녹음하는 것은 거의 의미가 없다고 강하게 느꼈다. 그의 여생 동안 Gould는 실황 연주를 멀리하고 대신 녹음, 저술, 방송에 집중했다.

### 기행

Gould는 그의 독특한 습관으로 널리 알려져 있었다. 그는 종종 연주하면서 흥얼거리거나 노래를 불렀고, 그의 오디오 엔지니어들은 녹음에서 그의 목소리를 배제하는 데 항상 성공하지는 못했다. Gould는 자신의 노래 부르기는 무의식적이며 주어진 피아노에서 의도한 해석을 표현하지 못하는 정도에 비례하여 증가한다고 주장했다. 그의 전기 작가 Kevin Bazzana가 표현했듯이, 이 습관은 그의 어머니가 그에게 "연주하는 모든 것을 노래하라"고 가르친 것에서 비롯되었을 가능성이 크다. 이것은 "깨뜨릴 수 없는 악명 높은 습관"이 되었다. Gould의 일부 녹음들은 이러한 배경의 "보컬화" 때문에 혹독하게 비판받았다. 예를 들어, 그의 1981년 골드베르크 변주곡 재녹음에 대한 한 평론가는 많은 청취자들이 "신음 소리와 크루닝을 참을 수 없다고 느낄 것"이라고 말했다. Gould는 연주하는 동안의 독특한 몸동작과 환경의 모든 측면에 대한 절대적 통제를 고집하는 것으로 유명했다. 녹음 스튜디오의 온도는 정밀하게 조절되어야 했다. 그는 변함없이 극도로 따뜻해야 한다고 주장했다. Gould의 또 다른 전기 작가인 Otto Friedrich에 따르면, 공조 엔지니어는 녹음 엔지니어만큼이나 열심히 일해야 했다.

피아노는 특정 높이로 설정되어야 했고 필요하면 나무 블록 위에 올려졌다. 때로는 피아노 아래 그의 발을 위해 작은 러그가 필요했다. 그는 바닥에서 정확히 14인치 위에 앉아야 했고, 아버지가 만든 오래된 의자에 앉아서만 콘서트를 연주했다. 그는 의자 시트가 완전히 닳아 없어진 후에도 이 의자를 계속 사용했다. 그의 의자는 그와 너무도 밀접하게 연관되어 있어서 National Library of Canada의 유리 케이스 안 명예로운 장소에 전시되어 있다.

 Gould의 피아노 의자 복제품

지휘자들은 Gould와 그의 연주 습관에 엇갈린 반응을 보였다. 1957년 Cleveland Orchestra와 함께 Gould를 지휘한 George Szell은 그의 조수에게 "저 미치광이는 천재야"라고 말했다. Leonard Bernstein은 "그와 같은 사람은 아무도 없으며, 나는 그와 연주하는 것을 정말 좋아한다"고 말했다. Bernstein은 1962년 4월 6일 콘서트에서 파문을 일으켰는데, New York Philharmonic이 Gould를 독주자로 브람스 피아노 협주곡 1번 D단조를 연주하기 직전, 청중에게 이제 듣게 될 것에 대해 아무런 책임도 지지 않는다고 알렸다. 그는 청중에게 물었다: "협주곡에서 누가 보스인가 – 독주자인가 아니면 지휘자인가?", 청중은 웃었다. "답은 물론, 때로는 하나이고 때로는 다른 하나이며, 관련된 사람들에 따라 다르다." 구체적으로, Bernstein은 Gould가 전체 1악장을 표시된 템포의 절반으로 연주해야 한다고 고집한 그들의 리허설을 언급하고 있었다. 이 발언은 The New York Times의 음악 평론가 Harold C. Schonberg에 의해 책임의 포기이자 Gould에 대한 공격으로 해석되었다. 공연의 스튜디오 녹음 계획은 무산되었다. 실황 라디오 방송은 이후 Bernstein의 부인 성명을 포함하여 CD로 발매되었다.

Gould는 추위를 싫어했고, 따뜻한 곳에서도 장갑을 포함한 두꺼운 옷을 입었다. 그는 플로리다주 Sarasota의 공원 벤치에 앉아 코트, 모자, 장갑으로 구성된 그의 표준 전천후 복장을 입고 있다가 부랑자로 오인되어 체포된 적도 있었다. 그는 또한 사교 모임을 싫어했다. 그는 만져지는 것을 싫어했고, 말년에는 개인적 접촉을 제한하며 의사소통을 위해 전화와 편지에 의존했다. 1959년 New York City의 Steinway Hall 방문 당시, Gould는 당시 수석 피아노 기술자인 William Hupfer에게 등을 한 대 맞으며 인사를 받았다. Gould는 이에 충격을 받았고, 그 사건 때문에 통증, 협응력 부족, 피로를 호소했다. 그는 명백한 부상이 영구적일 경우 Steinway & Sons를 상대로 소송을 제기할 가능성을 모색했다. 그는 막판에 공연을 취소하는 것으로 알려져 있었는데, 이것이 앞서 언급한 Bernstein의 공개 부인 성명이 "두려워하지 마세요, Gould 씨가 여기 있습니다... 곧 나타날 것입니다"로 시작한 이유다.

그의 라이너 노트와 방송에서 Gould는 풍자적, 유머러스하며 교훈적 목적으로 20개 이상의 분신을 만들어, 자신의 연주에 대해 적대적인 비평이나 이해할 수 없는 해설을 쓸 수 있게 했다. 아마도 가장 잘 알려진 것은 독일 음악학자 Karlheinz Klopweisser, 영국 지휘자 Sir Nigel Twitt-Thornwaite, 그리고 미국 비평가 Theodore Slutz다. 신경증으로 해석되든 "놀이"로 해석되든 Gould의 이러한 측면들은 심리전기에 풍부한 소재를 제공했다. 토론토의 Fran's Restaurant는 Gould가 자주 찾는 곳이었다. CBC 프로필은 "매일 새벽 2시에서 3시 사이 언젠가, Gould는 토론토 아파트에서 한 블록 떨어진 24시간 식당 Fran's에 가서 같은 부스에 앉아 스크램블 에그로 구성된 같은 식사를 주문하곤 했다"고 언급했다. 1973년 1월 20일 첼리스트 Virginia Katims에게 보낸 편지에서 Gould는 약 10년 동안 채식주의자였다고 말했다.

### 사생활 Gould는 사생활을 철저히 지켰다. 다큐멘터리 감독 Bruno Monsaingeon은 그에 대해 이렇게 말했다. "그 어떤 위대한 피아니스트도 자신의 심장과 정신을 그토록 압도적으로 내보이면서도 동시에 자신을 그토록 드물게 드러낸 적이 없었다." 그는 결혼하지 않았으며, 전기 작가들은 그의 성 정체성에 상당한 시간을 할애해왔다. Bazzana는 "Gould가 무성애자였다고 가정하고 싶은 유혹이 있으며, 그것은 확실히 그의 미학과 그가 전달하고자 했던 인물상에 들어맞고, Gould 관련 문헌 전체를 읽으면 그가 처녀로 죽었다고 확신할 수 있다"고 쓰면서도—"플라토닉했을 수도 있고 아닐 수도 있으며 궁극적으로 복잡해져서 끝난 여성들과의 여러 관계"를 가리키는 증거도 언급한다.

한 가지 증거가 2007년에 나타났다. Gould가 1956년 Los Angeles에 있을 때, 그는 미술 강사인 Cornelia Foss와 그녀의 남편이자 지휘자인 Lukas를 만났다. 몇 년 후, 그녀와 Gould는 연인이 되었다. 그녀는 1967년 Gould를 위해 남편을 떠났고, 두 자녀를 데리고 Toronto로 갔다. 그녀는 Gould의 110 St. Clair Avenue West 아파트 근처에 집을 구입했다. 2007년, Foss는 자신과 Gould가 수년간 지속된 애정 관계를 가졌음을 확인했다. Foss에 따르면, "Glenn에 대한 많은 오해가 있었고, 그것은 부분적으로 그가 매우 사적인 사람이었기 때문이었다. 하지만 장담하건대, 그는 극도로 이성애적인 남자였다. 우리의 관계는 무엇보다도 상당히 성적이었다." 그들의 관계는 그녀가 남편에게 돌아간 1972년까지 지속되었다. 남편을 떠난 지 불과 2주 만에, Foss는 Gould에게서 불안한 징후를 알아챘는데, "단순히 신경증적인" 것 이상의 이상한 행동을 암시했다. 구체적으로 그는 "누군가가 자신을 감시하고 있다"고 믿었다고 Foss의 아들은 전했다.

Gould는 금주가였으며 담배를 피우지 않았다. 그는 요리하지 않았고, 대신 레스토랑에서 자주 식사했으며 룸서비스에 의존했다. 그는 하루 한 끼를 먹었고 칡 비스킷과 커피로 보충했다. 말년에 그는 채식주의자라고 주장했지만, 그의 개인 노트는 그가 닭고기, Dover sole, 로스트 비프, 송아지 고기를 먹었음을 드러낸다.

### 건강과 죽음

그는 스스로 인정한 건강염려증 환자였지만, Gould는 많은 고통과 질환을 겪었다. 그러나 그의 부검 결과 그를 자주 괴롭혔던 부위에서 근본적인 문제는 거의 발견되지 않았다. 그는 평생 자신의 건강에 대해 극도로 우려했으며, 말년에 일기 형식으로 기록했던 고혈압부터 손의 안전까지 모든 것을 걱정했다. Gould는 사람들과 악수를 거의 하지 않았고, 습관적으로 장갑을 착용했다. 그가 일찍이 겪었던 척추 부상으로 인해 의사들은 보통 독립적으로 진통제, 항불안제 및 기타 약물을 처방했다. Bazzana는 Gould의 경력 전반에 걸친 다양한 처방약의 증가된 사용이 그의 건강에 해로운 영향을 미쳤을 수 있다고 추측했다. Bazzana가 쓴 바에 따르면, "그는 다른 약의 부작용을 상쇄하기 위해 약을 복용하고 있었으며, 이는 의존의 악순환을 만들었다." 1956년, Gould는 사진기자 Jock Carroll에게 "... 먹는 것에 대한 나의 히스테리. 그것은 계속 악화되고 있다"고 말했다. 1956년, 그는 또한 항정신병 약물인 Thorazine과 또 다른 항정신병 약물이지만 혈압을 낮추는 데도 사용될 수 있는 reserpine을 복용하고 있었다. Cornelia Foss는 Gould가 많은 항우울제를 복용했으며, 그녀는 이것이 그의 정신 상태 악화의 원인이라고 비난했다.

Gould의 행동이 자폐 스펙트럼 안에 속하는지 여부는 논쟁의 대상이 되어 왔다. 이 진단은 Gould의 친구였던 정신과 의사 Peter Ostwald가 1997년 저서 Glenn Gould: The Ecstasy and Tragedy of Genius에서 처음 제안했다. 그가 양극성 장애를 가졌을 수 있다는 추측도 있었는데, 그가 때때로 며칠 동안 잠을 자지 않고, 에너지가 극도로 증가하며, 무모하게 운전했고, 말년에는 깊은 우울 삽화를 겪었기 때문이다.

1982년 9월 27일, 50번째 생일 이틀 후, 심한 두통을 경험한 후 Gould는 뇌졸중을 겪었고 신체 왼쪽이 마비되었다. 그는 Toronto General Hospital에 입원했고, 그의 상태는 급격히 악화되었다. 10월 4일까지 뇌 손상의 증거가 있었고, Gould의 아버지는 아들의 생명 유지 장치를 제거하기로 결정했다. Gould의 공개 장례식은 10월 15일 St. Paul's Anglican Church에서 Lois Marshall과 Maureen Forrester의 노래와 함께 거행되었다. 예배에는 3,000명 이상이 참석했으며, CBC에서 방송되었다. 그는 Toronto의 Mount Pleasant Cemetery 38구역, 1088열, 1050번 묘지에 부모 옆에 묻혔다. Goldberg Variations의 첫 몇 마디가 그의 묘비에 새겨져 있다. 동물 애호가였던 Gould는 자신의 재산 절반을 Toronto Humane Society에, 나머지 절반은 Salvation Army에 남겼다.

관점

### 저술

Gould는 "만약 자신이 피아니스트가 아니었다면 작가가 되었을 것"이라고 인터뷰어들에게 주기적으로 말한 것으로 알려져 있다. 그는 CBC를 위한 강연, 학위수여식 연설, 정기간행물, 그리고 라디오 및 텔레비전 다큐멘터리에서 음악과 예술에 대한 자신의 비평과 철학을 설파했다. Gould는 많은 인터뷰에 참여했으며, 즉흥적인 토론이라기보다는 하나의 완성된 작품으로 볼 수 있을 만큼 대본을 작성하는 경향이 있었다. Gould의 글쓰기 스타일은 매우 명료했지만, 때로는 화려하고 탐닉적이며 수사적이었다. 이는 특히 유머와 아이러니에 대한 그의 빈번한 시도에서 두드러진다. Bazzana는 Gould의 "대화적 현란함" 중 일부가 그의 방대한 저술 결과물에 반영되었지만, 그의 글쓰기는 "기껏해야 고르지 못하고 최악의 경우 형편없었다"고 쓴다. "탁월한 통찰"과 "도발적인 논제"를 제공하면서도, Gould의 글쓰기는 종종 "길고 난해한 문장들"과 "거짓된 형식성"으로 손상되었다고 Bazzana는 지적한다.

그의 저술에서 Gould는 특정 작곡가들을 찬양했고 음악 작곡과 대중의 소비에서 진부하다고 여긴 것들을 거부했으며, Richard Strauss, Alban Berg, Anton Webern의 음악에 대한 분석도 제공했다. Dixieland 재즈에 대한 애정에도 불구하고, Gould는 대체로 대중음악을 기피했다. 그는 젊은 시절 친구들과 재즈 콘서트를 즐겼고, 저술에서 재즈를 언급했으며, 한때 Beatles를 "나쁜 성부 진행"으로 비판하면서도 Petula Clark과 Barbra Streisand는 칭찬했다. Gould와 재즈 피아니스트 Bill Evans는 서로를 존경했으며, Evans는 Gould의 유명한 Steinway 모델 CD 318 피아노를 사용하여 그의 기념비적인 음반 Conversations with Myself를 녹음했다.

### 예술에 대하여

Gould의 예술에 대한 관점은 종종 1962년의 이 인용문으로 요약된다: "예술의 정당성은 그것이 인간의 마음속에서 점화시키는 내적 연소에 있는 것이지, 피상적이고 외재화되고 공개적인 발현에 있는 것이 아니다. 예술의 목적은 순간적인 아드레날린 분출이 아니라, 오히려 평생에 걸친 경이로움과 평온함의 상태를 점진적으로 구축하는 것이다."

Gould는 스스로를 반복적으로 "마지막 청교도"라고 칭했는데, 이는 철학자 George Santayana의 1935년 동명 소설을 언급한 것이다. 이 발언을 Gould의 극도로 개인주의적인 생활방식과 예술적 비전과 비교해보면 명백한 모순에 도달한다. 그는 여러 면에서 진보적이었는데, 20세기 초 무조 작곡가들을 선전했고, 녹음 과정에 대한 깊은 관여를 통해 기술이 음악의 제작과 배급에 가져올 막대한 변화를 예견했다. Mark Kingwell은 Gould나 그의 전기 작가들이 결코 해결하지 못한 이 역설을 다음과 같이 요약한다:

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그는 동시에 진보적이면서 반진보적이었고, 마찬가지로 동시에 시대정신의 비평가이자 그것의 가장 흥미로운 표현이었다. 사실상 그는 과거와 미래 사이, 자신의 사고의 교두보에 고립되어 있었다. 그가 스스로 그 사이에 다리를 놓을 수 없었다는 것은 놀랍지도, 결국 실망스럽지도 않다. 오히려 우리는 이 실패를 그의 천재성의 한 측면으로 보아야 한다. 그는 자신의 시대의 인간이면서 동시에 그렇지 않았다.

### 기술

Gould와 같은 접근법과 관련한 "진정성" 문제는 큰 논쟁의 주제였지만, 20세기 말에 이르러 감소했다—Gould가 예견했던 것으로 보이는 발전이다. 이는 녹음이 스튜디오에서 기술적 수단을 통해 고도로 정제되었을 때 덜 진정하거나 "직접적"인가를 묻는다. Gould는 자신의 과정을 영화 감독의 것에 비유했다—2시간짜리 영화가 2시간 만에 만들어졌다고 인식하지 않는다—그리고 암묵적으로 음악을 듣는 행위가 왜 달라야 하는지 묻는다. 그는 음악가, 음향 엔지니어, 일반인들과 함께 녹음을 듣고 편집 지점이 어디인지 판단하는 실험을 진행하기까지 했다. 각 그룹은 음악과의 관계에 따라 다른 지점을 선택했지만, 어느 누구도 완전히 성공하지 못했다. 이 테스트가 전혀 과학적이지 않았지만, Gould는 "테이프는 거짓말을 하며, 거의 항상 그것을 성공시킨다"고 말했다.

Gould의 가장 중요한 텍스트 중 하나인 "창조적 과정에서의 위조와 모방"이라는 제목의 강연과 에세이에서, 그는 진정성과 창의성에 대한 자신의 견해를 명시한다. Gould는 작품이 수용되는 시대가 왜 "예술"로서의 그 수용에 영향을 미치는지 질문하며, Haydn의 소나타와 매우 유사하게 들려서 그렇게 받아들여지는 자신의 작곡 소나타를 가정한다. 만약 그 소나타가 더 이른 시기나 후기의 작곡가에게 귀속되었다면, 그것은 음악 작품으로서 더 흥미롭거나 덜 흥미로워진다. 그러나 변한 것은 작품이 아니라 음악사의 받아들여진 서사 내에서의 그 관계이다. 마찬가지로, Gould는 위조가 알려지기 전과 후에 네덜란드 거장 Johannes Vermeer의 것으로 귀속된 Han van Meegeren의 고품질 위작 회화에 대한 수용에서 "비참한 이중성"을 지적한다.

따라서 Gould는 예술 작품을 평가할 때 예술가의 정체성과 그에 수반되는 역사적 맥락을 최소화하는 비역사적, 또는 적어도 르네상스 이전의 예술관을 선호한다: "예술 작품에서 우리가 다른 시대의 역사적 태도와 직접적인 소통을 받아야 한다고 가정할 권리가 우리에게 무엇을 주는가? ... 더욱이, 그것을 쓴 사람의 상황이 그의 시대 상황을 정확하게 또는 충실하게 반영한다고 가정하게 만드는 것은 무엇인가? ... 만약 작곡가가 역사가로서 결함이 있다면?"

녹음

### 스튜디오 음악 창작에 있어 Gould은 녹음 스튜디오가 제공하는 통제력과 친밀감을 훨씬 더 선호했다. 그는 콘서트 홀을 경쟁적인 스포츠 경기장에 비유하며 싫어했다. 1964년 마지막 공개 연주를 마친 후, 그는 이후 경력을 스튜디오에 전념하며 앨범과 여러 라디오 다큐멘터리를 녹음했다. 그는 녹음의 기술적 측면에 매료되었으며, 테이프 조작을 창작 과정의 또 다른 부분으로 여겼다. Gould의 녹음 스튜디오 프로듀서들은 "그는 대부분의 연주자들보다 편집이 덜 필요했다"고 증언했지만, Gould은 이 과정을 통해 녹음 과정에 대한 완전한 예술적 통제권을 확보했다. 그는 《평균율 클라비어곡집》 제1권의 가단조 푸가 녹음을 회상하며, 푸가의 제시부는 한 테이크에서, 에피소드는 다른 테이크에서 가져와 두 테이크를 편집해 완성했다고 밝혔다.

Gould의 첫 상업 녹음인 Berg의 피아노 소나타 Op. 1은 1953년 단명한 캐나다 Hallmark 레이블에서 발매되었다. 그는 곧 Columbia Records의 클래식 음악 부문과 계약을 맺었고, 1955년에는 그의 돌파구가 된 작품인 《Bach: The Goldberg Variations》를 녹음했다. Columbia에서는 이 "데뷔" 곡의 적절성에 대한 논란이 있었지만, 이 음반은 경이로운 찬사를 받았으며 당대 가장 많이 팔린 클래식 음악 앨범 중 하나가 되었다. Gould은 이 곡과 밀접하게 연관되었으며, 많은 리사이틀에서 전곡 또는 일부를 연주했다. 1981년에 제작된 골드베르크 변주곡의 새 녹음은 그의 마지막 앨범 중 하나가 될 것이었다. 이 곡은 그가 스튜디오에서 두 번 녹음한 몇 안 되는 작품 중 하나였다. 1981년 발매작은 CBS Masterworks의 첫 디지털 녹음 중 하나였다. 1955년 해석은 매우 에너제틱하고 종종 광적이었다. 후기 버전은 더 느리고 신중했다. Gould은 아리아와 30개의 변주를 하나의 응집력 있는 전체로 다루고자 했다.

 Canadian Broadcasting Centre 밖에 위치한 Gould의 공원 벤치 조각상

Gould은 J.S. Bach를 숭배했으며, 이 바로크 작곡가가 "처음부터 끝까지 건축가이자 소리의 구축자였으며, 그가 우리에게 헤아릴 수 없이 소중한 이유는 그가 의심할 여지 없이 역사상 가장 위대한 소리의 건축가였기 때문"이라고 말했다. 그는 《평균율 클라비어곡집》 두 권과 파르티타, 프랑스 모음곡, 영국 모음곡, 인벤션과 신포니아, 건반 협주곡, 그리고 다성음악적 특성이 적어 그가 가장 관심이 없었던 여러 토카타를 포함하여 Bach의 대부분의 건반 작품을 녹음했다. 오르간으로 한 유일한 녹음으로는 《푸가의 기법》의 약 절반을 녹음했으며, 이는 사후에 피아노 버전으로도 발매되었다.

Beethoven의 경우, Gould은 작곡가의 초기와 후기 시기를 선호했다. 그는 Beethoven의 피아노 협주곡 5곡 모두, 피아노 소나타 32곡 중 23곡, 그리고 수많은 바가텔과 변주곡을 녹음했다. Gould은 1967년 교향곡 5번을 시작으로, 1969년 교향곡 6번이 발매되면서 Liszt의 Beethoven 교향곡 피아노 편곡 중 어느 것이든 녹음한 최초의 피아니스트였다.

Gould은 또한 Brahms, Mozart 및 다른 많은 저명한 피아노 작곡가들의 작품을 녹음했지만, 주목할 만하게도 Frédéric Chopin은 예외였다. 그는 낭만주의 시대 전체에 대해 노골적으로 비판적이었다. 그는 Chopin에 대해 극도로 비판적이었다. 라디오 인터뷰에서 Chopin을 연주하고 싶지 않느냐는 질문에 그는 이렇게 답했다. "아니요, 그렇지 않습니다. 나는 약한 순간에 연주합니다. 아마 1년에 한두 번 혼자서요. 하지만 나를 설득시키지는 못합니다." 그러나 1970년, 그는 CBC를 위해 Chopin의 나단조 소나타를 연주했으며 몇몇 소품들이 마음에 들고 "나단조 1악장도 어느 정도 좋아한다"고 말했지만, Chopin의 음악은 전혀 녹음하지 않았다.

그는 Mozart의 소나타를 모두 녹음했고 그것들을 "실제로 연주하는 것"을 즐긴다고 인정했지만, Gould은 Mozart의 후기 작품을 싫어한다고 주장했으며, 어쩌면 농담조로 Mozart가 너무 일찍이 아니라 너무 늦게 죽었다고 주장하기도 했다. 그는 Orlando Gibbons와 같은 덜 알려진 작곡가들을 좋아했는데, 그의 Anthems을 십대 때 들었으며 그의 음악에 "영적 애착"을 느꼈다. 그는 Gibbons의 건반 작품 여러 곡을 녹음했으며, Bach의 기술적 숙달에 대한 더 잘 알려진 찬사에도 불구하고 그를 자신이 가장 좋아하는 작곡가라고 불렀다. 그는 Jean Sibelius의 피아노 음악(소나티네와 Kyllikki), Georges Bizet의 Variations Chromatiques de Concert와 Premier nocturne, Richard Strauss의 피아노 소나타, 5개의 소품, Claude Rains와 함께한 Enoch Arden, 그리고 Paul Hindemith의 피아노 소나타 3곡과 금관악기와 피아노를 위한 소나타를 녹음했다. 그는 또한 Arnold Schoenberg의 완전한 피아노 작품과 가곡을 녹음했다. 1982년 9월 초, Gould은 마지막 녹음을 남겼다. Strauss의 나단조 피아노 소나타였다.

협업

Gould 협업의 성공은 어느 정도 그의 협업자들이 때때로 비전통적인 그의 음악 해석을 얼마나 수용하는지에 달려 있었다. 1965년 미국 바이올리니스트 Yehudi Menuhin과의 텔레비전 협업에서 그들은 Bach, Beethoven, Schoenberg의 작품을 연주했는데, Stegemann 1993b는 이를 "Menuhin이 비정통적인 관점이 열어준 새로운 시각을 기꺼이 받아들였기" 때문에 성공이라고 평가했다. 그러나 1966년 소프라노 Elisabeth Schwarzkopf와의 협업, Richard Strauss의 Ophelia Lieder, Op. 67 녹음은 "완전한 실패작"으로 간주되었다. Schwarzkopf는 악보에 대한 "완전한 충실성"을 믿었지만, 그녀는 또한 Gould의 취향에 맞춘 온도에도 반대했다.

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스튜디오는 믿을 수 없을 정도로 과열되어 있었는데, 피아니스트에게는 좋을지 몰라도 가수에게는 아니었다. 목이 마르는 것은 노래에 있어서는 끝장이다. 그러나 우리는 그럼에도 불구하고 끝까지 해냈다. 나에게는 쉽지 않았다. Gould은 Strauss 스타일의 즉흥 연주로 시작했다. 우리는 그가 단순히 워밍업하는 것이라고 생각했지만, 아니었다. 그는 실제 녹음 내내 그렇게 연주를 계속했다. 마치 Strauss의 음표들이 그가 자유롭게 즉흥 연주할 수 있게 해주는 단순한 구실에 불과한 것처럼. 그는 Donald Gramm과 Ellen Faull을 포함한 수많은 성악가들과 함께 Schoenberg, Hindemith, Ernst Krenek의 작품을 녹음했다. Glenn Gould은 또한 Jaime Laredo와 함께 Bach의 바이올린과 하프시코드를 위한 여섯 개의 소나타 BWV 1014–1019를, Leonard Rose와 함께 비올라 다 감바와 건반을 위한 세 개의 소나타를 녹음했다. Claude Rains는 Strauss의 멜로드라마 Enoch Arden 녹음에서 내레이션을 맡았다. Gould은 또한 New York Philharmonic의 단원들, 플루티스트 Julius Baker, 바이올리니스트 Rafael Druian과 협연하여 Johann Sebastian Bach의 브란덴부르크 협주곡 4번 G장조 BWV 1049를 녹음했다.

### 다큐멘터리

Gould은 CBC Television과 CBC Radio를 위해 수많은 텔레비전 및 라디오 프로그램을 제작했다. 주목할 만한 작품으로는 그의 뮤직 콩크레트 작품인 고독 3부작이 있는데, 이는 캐나다 북부와 그곳 사람들에 대한 명상인 The Idea of North, 뉴펀들랜드에 관한 The Latecomers, 매니토바의 메노파 교도들에 대한 The Quiet in the Land로 구성되어 있다. 세 작품 모두 Gould이 "대위법적 라디오"라고 부른 라디오포닉 전자음악 기법을 사용하는데, 여기서는 여러 사람의 목소리가 동시에 들리며—마치 푸가의 성부들처럼—오버더빙과 편집을 통해 조작된다. 1967년 온타리오 북부를 가로질러 운전하면서 Top 40 라디오를 듣던 Gould의 경험은 그의 가장 독특한 라디오 작품 중 하나인 The Search for Petula Clark에 영감을 제공했다. 이는 당시 국제적 성공의 절정에 있던 저명한 영국 팝 가수의 녹음들에 대한 재치 있고 웅변적인 논고였다.

편곡, 작곡, 지휘

Gould은 피아니스트일 뿐만 아니라 오케스트라 레퍼토리를 피아노용으로 편곡하는 다작의 편곡가이기도 했다. 그는 자신의 Wagner와 Ravel 녹음을 편곡했으며, Richard Strauss의 오페라와 Schubert 및 Bruckner의 교향곡들도 편곡하여 개인적인 즐거움을 위해 연주했다.

그는 작곡에도 손을 댔지만 완성된 작품은 거의 없었다. 10대 시절 Gould은 제2빈악파 양식의 실내악과 피아노 작품을 작곡했다. 그의 유일한 중요 작품은 20대에 완성한 현악 4중주곡으로, 1956년 출판되고 1960년 녹음되었으며, 아마도 Beethoven 피아노 협주곡 1번을 위한 그의 카덴차도 여기에 포함될 것이다. 후기 작품으로는 소프라노, 알토, 테너, 베이스와 피아노를 위한 Lieberson Madrigal과 피아노 또는 현악 4중주 반주를 동반한 SATB 합창곡 So You Want to Write a Fugue?가 있다. 그의 현악 4중주곡 작품번호 1은 엇갈린 반응을 받았다. Christian Science Monitor와 Saturday Review는 상당히 찬사를 보낸 반면, Montreal Star는 덜 호의적이었다. Gould의 작곡에 대한 비평적 논평이 거의 없는 이유는 간단하다. 작품 자체가 거의 없기 때문이다. 그는 작품번호 1을 넘어서지 못했고, 여러 작품을 미완성으로 남겼다. 그는 작곡가로서의 실패를 "개인적 목소리"의 결여 때문이라고 설명했다. 그의 작품 대부분은 Schott Music에서 출판되었다. 녹음 Glenn Gould: The Composer에는 그의 창작 작품들이 수록되어 있다.

생애 말년에 Gould은 지휘를 시작했다. 그는 이전에 1960년대에 Bach의 브란덴부르크 협주곡 5번과 칸타타 Widerstehe doch der Sünde를 하프시피아노—하프시코드의 음색을 모방하기 위해 금속 해머를 장착한 피아노—로, 그리고 Gustav Mahler의 교향곡 2번 중 Urlicht 부분을 지휘한 바 있었다. 지휘자로서 그의 마지막 녹음은 Wagner의 Siegfried Idyll을 원래의 실내악 편성으로 연주한 것이었다. 그는 말년을 지휘하고, 음악에 관해 글을 쓰고, 작곡하는 데 보낼 계획이었다.

유산과 영예

Gould은 20세기 가장 찬사받는 음악가 중 한 명이다. 그의 독특한 피아노 주법, 작품 구조에 대한 통찰력, 그리고 비교적 자유로운 악보 해석은 많은 청취자들에게 계시와도 같은 연주와 녹음을 선사했지만, 동시에 다른 이들에게는 강한 거부감을 불러일으키기도 했다. 철학자 Mark Kingwell은 "그의 영향력은 불가피한 것이 되었다. 그 이후의 어떤 연주자도 그가 세운 기준을 피할 수 없다... 이제 모두가 그를 통해 연주해야 한다. 그를 모방하거나 거부할 수는 있지만, 무시할 수는 없다"고 쓴다.

Gould이 연주한 《평균율 클라비어곡집》 제2권 중 C장조 전주곡과 푸가는 Carl Sagan이 이끄는 위원회에 의해 NASA Voyager Golden Record에 수록되도록 선정되었다. 이 녹음 디스크는 우주선 Voyager 1호에 탑재되었다. 2012년 8월 25일, 이 우주선은 태양권계면을 넘어 성간 매질에 진입한 최초의 인공물이 되었다.

 Canada's Walk of Fame에 새겨진 Gould의 별

Gould은 전기와 비평 분석의 인기 있는 대상이다. Giorgio Agamben과 Mark Kingwell 같은 철학자들이 Gould의 삶과 사상을 해석해왔다. Gould과 그의 작업에 대한 언급은 시, 소설, 시각 예술에서 풍부하게 나타난다. François Girard가 감독하여 Genie Award를 수상한 1993년 영화 《Thirty Two Short Films About Glenn Gould》은 그를 알았던 사람들과의 다큐멘터리 인터뷰, Gould의 삶을 재연한 장면들, 그리고 음악에 맞춘 애니메이션을 포함한 환상적인 세그먼트들로 구성되어 있다. Thomas Bernhard의 저명한 1983년 소설 《The Loser》는 Gould과 Salzburg의 Mozarteum 학교 동창생 두 명과의 평생에 걸친 우정에 관한 확장된 1인칭 에세이 형식을 취하는데, 이 두 명 모두 Gould의 천재성이 주는 위압감 때문에 콘서트 피아니스트 경력을 포기한 인물들이다.

Gould은 건반 너머 광범위한 작업물을 남겼다. 연주회 무대에서 은퇴한 후, 그는 오디오와 영화 다큐멘터리, 저술을 포함한 다른 매체에 점점 더 관심을 기울였으며, 이를 통해 미학, 작곡, 음악사, 그리고 전자 시대가 미디어 소비에 미치는 영향에 대해 사색했다. Gould은 캐나다의 이론가들인 Marshall McLuhan, Northrop Frye, Harold Innis가 커뮤니케이션 연구 분야에서 두각을 나타내던 시기에 Toronto에서 성장했다. Gould의 저작과 서신을 모은 선집들이 출판되었으며, Library and Archives Canada는 그의 문서 중 상당 부분을 보관하고 있다.

1983년, Gould은 사후에 Canadian Music Hall of Fame에 헌액되었다. 그는 1998년 Toronto의 Canada's Walk of Fame에 헌액되었고, 2012년에는 국가 역사적 인물로 지정되었다. 이 지정을 기념하는 연방 명판이 Toronto 시내의 그의 조각상 옆에 세워졌다. Toronto의 Canadian Broadcasting Centre에 있는 Glenn Gould Studio는 그의 이름을 따서 명명되었다. Gould의 75번째 생일을 기념하기 위해, Canadian Museum of Civilization은 2007년 《Glenn Gould: The Sounds of Genius》라는 제목의 전시회를 개최했다. 이 멀티미디어 전시는 Library and Archives Canada와 공동으로 열렸다.

### Glenn Gould Foundation

Glenn Gould Foundation은 Gould을 기리고 그의 기억과 생애의 업적을 계승하기 위해 1983년 Toronto에 설립되었다. 재단의 사명은 "비범한 음악가, 소통가, 그리고 캐나다인으로서 Glenn Gould의 유산에 대한 인식을 확장하고, 그의 선구적이고 혁신적인 아이디어를 미래로 전진시키는 것"이며, 주요 활동은 3년마다 Glenn Gould Prize를 수여하는 것이다. 이 상은 "모든 커뮤니케이션 기술의 활용을 통해 음악과 그 소통에 매우 탁월한 기여를 한 결과로 국제적 인정을 받은 개인"에게 수여된다. 상금은 수상자에게 CA$100,000이 주어지며, 수상자는 자신이 선택한 젊은 음악가에게 CA$15,000의 Glenn Gould Protégé Prize를 수여할 책임을 갖는다.

### Glenn Gould School

Toronto의 The Royal Conservatory of Music Professional School은 가장 유명한 졸업생을 기리기 위해 1997년 The Glenn Gould School이라는 이름을 채택했다.

수상

Gould은 생전에 음악에서의 경쟁을 경멸한다고 주장하면서도, 그리고 사후에 많은 영예를 받았다. 1970년, 캐나다 정부는 그에게 Companion of the Order of Canada를 제안했지만, 그는 자신이 너무 젊다고 생각하여 거절했다.

### Juno Awards

Juno Awards는 Canadian Academy of Recording Arts and Sciences에 의해 매년 수여된다. Gould은 6번의 후보 지명 중 3개의 상을 수상했지만, 직접 수락한 것은 단 한 번뿐이었다.

### Grammy Awards

Grammy는 National Academy of Recording Arts and Sciences에 의해 매년 수여된다. Gould은 4개의 상을 수상했지만, Juno와 마찬가지로 직접 수락한 것은 단 한 번뿐이었다. 1983년, 그는 1955년 녹음하여 1956년 발매된 《Goldberg Variations》로 Grammy Hall of Fame에 사후 헌액되는 영예를 안았다.